Lukas Aichinger

Wann hast du mit dem Schlagzeugspielen begonnen und wie bist du ursprünglich zum Instrument gekommen?
Bei mir war das eine klassische Musikschul-Karriere. Ich bin von meinen Eltern für die musikalische Früherziehung angemeldet worden, da war ich etwa fünf Jahre alt. Nach zwei Jahren musste ich mir dort ein Instrument aussuchen, dabei hat mich das Schlagzeug einfach am meisten beeindruckt. Anschließend hatte ich zwei Jahre lang Kleine Trommel-Unterricht, nach denen ich aber kurz davor war, wieder aufzuhören. Mit neun Jahren wechselte ich dann aber zu einem anderen Schlagzeuglehrer, bei dem ich gleich am Set spielen durfte und zu dieser Zeit hab ich auch mein erstes eigenes Schlagzeug bekommen. Von da an hat es mir mehr Spaß gemacht. Die wirklich große Motivation mit dem Schlagzeugspiel weiter zu machen ist erst so mit 14 oder 15 Jahren gekommen.

Wie war dein anschließender Ausbildungsweg?
Zunächst war ich eben recht lange an der Musikschule bei uns im Ort [Bad Ischl]. Parallel dazu habe ich das »drummer’s focus«, eine private Schlagzeugschule in Salzburg, besucht. Danach habe ich Jazz-Schlagzeug mit Kompositionsschwerpunkt an der Anton Bruckner Uni in Linz studiert und bin jetzt am Jam Music Lab in Wien und mach dort noch meinen Master in Improvisation.

Haben sich durch diese unterschiedlichen Studienausrichtungen auch neue oder andere Perspektiven auf dein Schlagzeugspiel ergeben?
Ja, definitiv. Als ich zunächst mit dem Kompositionsschwerpunkt begonnen habe, war mir das so aber gar nicht bewusst. Mich hat einfach das Spielen mit Tönen und das Basteln an musikalischen Ideen interessiert. Christoph Cech [Professor an der Anton Bruckner Universität] war da sehr wohlwollend und unterstützend. Es wurde einem sehr viel Freiraum gelassen, um auszuloten, was man selber machen will. Dass sich das auf mein Schlagzeugspiel ausgewirkt hat, wurde mir dann besonders während den Arbeiten am AHL6-Album bewusst. Dabei ging ich eher selten von einem konkreten Drum-Groove aus, sondern habe mir die Schlagzeug-Parts meist erst am Ende überlegt. Dadurch ändert sich die Perspektive als Schlagzeuger*in schon sehr grundlegend – man weiß ja, was man komponiert hat und wie man gewisse Dinge unterstreichen will. Genauso hat man konkrete Stimmungen und Klangbilder im Hinterkopf.

Thinker try to dance war eines unserer Alben des Jahres 2020. Für mich sticht es vor allem durch seine stilistische Diversität und den homogenen und organischen Band-Sound heraus. War es schwierig, diese Band-Dynamik im Studio umzusetzen?
Ich glaube eigentlich nicht. Wir sind mit einem sehr engen Zeitplan ins Studio gegangen und haben davor auch nicht wirklich viel gespielt. Also überprobt waren wir sicher nicht. Das hatte aber auch einen gewissen Reiz: Im Studio haben wir die Kompositionen erst richtig gut kennengelernt. Das ist im Vergleich zu anderen Bands, bei denen man vor einer Aufnahme schon viele Konzerte gespielt hat, definitiv anders gewesen und das war schon sehr spannend. Jeder wollte sein Bestes geben und dabei sind eben auch neue Sachen entstanden. Der Großteil wurde mit der gesamten Band Live aufgenommen. Natürlich wurde anschließend einiges geschnitten und gestückelt, aber der Großteil wurde gemeinsam eingespielt.

Das Album zeichnet sich auch sehr durch seine distinktiven Sounds aus, besonders fällt mir das bei der Gitarre und der Trompete auf. Wieviel Input kommt dabei von dir an die einzelnen Instrumentalisten? Hast du da ganz konkrete klangliche Vorstellungen oder bestimmte Effektgeräte bereits vorab im Kopf?
In dem Fall hab ich mich, noch bevor ich zu komponieren begann, mit Markus [Schneider, Gitarre] und Thomas [Liesinger, Trompete] getroffen und mir vorspielen lassen, was sie mit ihren Effekt-Geräten so alles machen können. Das nahm ich auch auf und im Laufe des Kompositionsprozesses hab ich schon bei gewissen Parts genaue Vorgaben gemacht, also welche Effekte bzw. Sounds ich mir dabei vorgestellt habe. Das habe ich dann auch so in die Partituren geschrieben. Natürlich waren zum Teil freie Passagen dabei, bei denen sich die Musiker – auch klanglich – selbst eingebracht haben. Aber prinzipiell gab’s für alle Stimmen eine Partitur.

Schaut man sich die Bands und Projekte an, bei denen du beteiligt bist, erkennt man ziemlich schnell eine relativ große musikalische Bandbreite. Ist dir das ein persönliches Anliegen, dass du da so breitgefächert aufgestellt bist oder hat sich das eher von selbst ergeben?
Eigentlich trifft beides zu. Einerseits interessieren mich viele verschiedene Sachen, andererseits haben sich natürlich einige Projekte einfach ergeben. Es gab aber durchaus auch Anfragen, die ich abgelehnt habe. Prinzipiell sage ich schon gerne zu, solange mir ein Aspekt der Musik gefällt. Aber wenn mich beispielsweise wer für ein Metal-Album anfragt, ist klar, dass sich das spieltechnisch nicht ausgeht.

Gibt es irgendein Genre, in dem du dich am wohlsten fühlst bzw. wo du am meisten Spaß hast, darin zu spielen?
Ich find das ist ziemlich schwierig zu beantworten. Es gibt ja in jedem Genre wiederum unterschiedliche Ausformungen. Mir macht natürlich Jazz Spaß, aber eben auch nicht jede Art von Jazz. Genauso finde ich Rock- oder Pop-Groove-Sachen super, aber auch da kommt es darauf an, wie es interpretiert wird. Das hängt für mich immer von sehr vielen verschiedenen Faktoren ab, zum Beispiel wie sehr man sich selbst in die Musik einbringen kann und ob einen das persönlich anspricht. Auch das soziale Umfeld innerhalb einer Band ist wichtig und natürlich spielen ebenso ökonomische Überlegungen immer eine gewisse Rolle.

Hast du – gerade was diese stilistische Vielfalt betrifft – irgendwelche musikalischen Vorbilder?
Es gibt schon einige Schlagzeuger*innen, die Vorbilder für mich sind. Kenny Wollesen finde ich etwa sehr cool, der auch immer wieder mit den unterschiedlichsten Projekten auftritt und sich in den verschiedensten Genres bewegt. Ein anderes Beispiel wäre Vinnie Colaiuta, der als Studioschlagzeuger auf unzähligen Alben gespielt hat und in allen stilistischen Richtungen ablieferte. Aber ich finde auch Schlagzeuger*innen interessant, die total konsequent sind und auf einer Linie bleiben, wie beispielsweise Christian Lillinger. Der ist natürlich schon sehr vielseitig, aber es geht trotzdem in gewisser Weiße in eine sehr konkrete Richtung. Das ist bei mir bis jetzt zwar nicht so der Fall, aber ich finde es definitiv sehr spannend.

Beim Video, dass du für uns in der Beatboxx aufgenommen hast spielst du einen Ausschnitt aus dem Stück „Lukas’ Pausenbrot“ von znap. Warum hast du genau diesen Groove ausgewählt?
Wie wir das aufgenommen haben, bekam ich kurz zuvor die Rough-Mixes vom znap-Album und das war die Musik, in der ich am meisten drinnen war. Und der Groove gefällt mir einfach sehr gut. Er ist nicht sonderlich schwer zu spielen, aber vor allem in Kombination mit der Bass-Line ergeben sich sehr interessante, ineinandergreifende Pattern.